Carlos Soto y Sebastian Fund revisan el México contemporáneo con estampas

Dos visiones contemporáneas de la estampa, una que recupera la técnica del heliograbado, usada a inicios del siglo XX, y otra que utiliza la memoria sobre el COVID-19, los sismos de 2017 y los desaparecidos de Ayotzinapa a través del collage, se exponen en "Fragmentaciones al límite" y "La verdad de las máscaras", en el Museo Nacional de la Estampa

Estas muestras que en total reúnen 80 obras de dos jóvenes artistas: Carlos Soto y Sebastian Fund, plasman momentos personales que trastocaron la creación de ambos, ya sea a través de la incorporación de colores en el grabado o la experimentación de materiales.

CRISIS SOCIALES

La exposición "Fragmentaciones al límite" exhibe el trabajo de Carlos Soto (Ciudad de México, 1986), quien durante cuatro años desarrolló obra sobre sucesos específicos del país: los desaparecidos de Ayotzinapa, los temblores del 2017, la pandemia por COVID y el 8M.

“Son temas que tenemos cada uno de nosotros como mexicanos y de los que generamos una propia experiencia a partir de detonantes que, en este caso, son fechas específicas. Cada pieza tiene una historia que contar partiendo de la memoria, del no olvidar”, dijo el artista.

Al respecto, la curadora Lilia Prado comentó que en las obras sobre los 43 desaparecidos de Ayotzinapa, Soto hace un homenaje a estos jóvenes a través de la xilografía y utiliza la gráfica como denuncia. Además, dos de las piezas expuestas son parte del acervo del museo.

“De los 43, realicé tres juegos de estampas, uno se destruyó para formar un collage, otro es el que tiene el archivo y uno más se va a donar en el macro de la exposición”, destacó el artista y detalló que cada una de sus series acaba con un collage, es decir, las placas originales de sus obras las fragmenta para después revolverlas y crear una nueva pieza en formato plano o tridimensional.

¿Dónde habías expuesto tu trabajo sobre Ayotzinapa?, se le preguntó. “En la Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce de Morelia hace dos años, ahí obtuve mención honorifica”, respondió.

Sobre las piezas dedicadas al tema del COVID, Soto explicó que la primera parte narra los diferentes momentos de enfermedad de una mujer y para la que utilizó diversos soportes ya que los materiales son objetos personales: flores, cartas y un tanque de oxígeno.

“Es el homenaje para alguien de quien no te pudiste despedir. Era la mamá de uno de mis socios, nos tocó estar durante todo el proceso de hospitalización, pasaron los años y le propuse trabajar el duelo desde las artes. Mi amigo aceptó y el resultado son estas obras”, comentó.

En la segunda parte, Soto cuenta la supervivencia de la enfermedad. El primer caso es el de una enfermera que abandonó su profesión porque el impacto de la pandemia “fue demasiado, entonces me dio su uniforme que imprimí en placas”. La otra historia es la de Rubén Morales, un artista, a quien el COVID afectó su vida porque, por salud, dejó su trabajo de impresor.

Un tema que también aborda Soto es el sismo de 2017, momento en que apoyó como brigadista, por lo que sus obras son collages que parten del ruido y el silencio a partir del escombro.

“Me gusta el antecedente de las estampas, pero pienso más mi trabajo como lo que se hacía en los años 70, cuando grupos salían a la calle a hacer esténcil y mantenían un vínculo con los movimientos sociales. Eso ha ido evolucionando en la cuestión de técnicas y, en lo particular, me gusta la parte que deja de lado lo formal y trabaja con otras matrices para hacer estampa”, indicó.

MEMORIA

La exposición "La verdad de las máscaras" de Sebastian Fund (Argentina, 1985) reflexiona sobre la máscara a través de tres técnicas: litografía, xilografía y heliograbado.

“Surge al pensar en las máscaras personales y las impuestas por la sociedad. En la pandemia por COVID fue muy fuerte el impacto que generó el uso de mascarillas y el distanciamiento social, ahí empecé a cuestionarme sobre mis máscaras que me llevaron a profundizar en el color de la gráfica y en el formato grande”, dijo Fund.

La primera parte de la exposición reúne obra a color sobre la representación de los mitos, la mezcla cultural y las ambiciones humanas. En la segunda parte retoma la técnica del heliograbado, la cual se acerca a la fotografía.

“Con el heliograbado me interesaba regresar al blanco y negro ya que es una técnica de 1900 y es el punto de encuentro entre la gráfica y fotografía. Dentro de mi historia personal lo que hice primero fue fotografía análoga con mi padre y después empecé a hacer dibujo y finalmente gráfica”, comentó.

Las obras con dicha técnica nacieron de un performance que Fund realizó hace un año en Coatepec, Veracruz, sobre la relación de los hombres con las mujeres.

“Hay un pintor italiano que representaba como cerdos a hombres que se relacionan únicamente de manera sexual con las mujeres, ese cuestionamiento sobre la forma de vincularse de la mujer me interesó. La obra que quise reivindicar es una mujer con los ojos vendados desnuda que lleva dos cerdos como si fueran perros con correa”, detalló.